« Nous réagissons à ce qui se passe aujourd'hui et nous créons en quelque sorte comme un esprit de ruche. »
Inspiration et influence : Quelles sont certaines de vos plus grandes inspirations créatives ? Comment influencent-elles le ton de votre travail ?
Quelles ont été certaines de vos plus grandes inspirations créatives ?
Quand je pense aux artistes que j'ai toujours admirés, Maud Lewis est en tête de liste. Maud, comme vous le savez probablement, est une artiste de la Nouvelle-Écosse qui a vécu avec l'arthrite rhumatoïde, mais elle est surtout connue pour son amour de la décoration des espaces où elle vivait.
J'adore cet art populaire très confiant et insouciant ; des formes colorées et simples qui capturent la vie quotidienne. J'admire aussi Maud en tant qu'être humain – elle a su trouver la joie malgré beaucoup de difficultés.
Il n'y a pas beaucoup de grands noms que j'admire, mais je suis vraiment motivée par beaucoup de mes pairs et amis. Comme Gillian Wilson, Caro Benitez, Yvonne Weiss… ce sont toutes des artistes qui utilisent les plantes de manière très contemporaine et travaillent avec différents médiums. Il y a aussi Jill Glatt, une incroyable graveuse et artiste textile locale, et j'aime la façon dont elle utilise son art comme un activisme. Mon amie Caro est botaniste et attache beaucoup d'amour et de soin à représenter les plantes avec précision.
Je pense que nos pairs nourrissent l'art dans le sens plus large de la communauté et c'est vraiment puissant. Nous ne créons pas d'art dans un vide. Nous réagissons à ce qui se passe aujourd'hui et nous créons en tant qu'esprit de ruche.
Jeunesse : Quand avez-vous réalisé que vous étiez artiste et comment en êtes-vous venue à cette prise de conscience ?
Jeunesse : Quand avez-vous réalisé que vous étiez artiste et comment en êtes-vous venue à cette prise de conscience ?
Mes parents m'ont eue très jeunes – ma mère était enceinte de moi alors qu'elle était au lycée. Grandir avec des parents très jeunes et peu argentés, eh bien, l'art était un passe-temps très accessible et abordable pour occuper mon esprit. J'ai beaucoup de très bons souvenirs où l'on me donnait simplement des couleurs sous forme de marqueurs, de peintures ou de crayons de couleur et où je dessinais sur des articles de journaux, ajoutant aux images à ma manière. Il n'y avait aucune pression.
De plus, ma mère ne gardait pas vraiment les œuvres d'art. Mon travail n'était pas encadré sur le réfrigérateur ou quoi que ce soit. C'était juste quelque chose que je faisais, une compétence créative à affûter qui ne concernait pas nécessairement le produit fini. J'ai l'impression qu'en grandissant, certaines personnes ne veulent plus gribouiller, et d'autres veulent continuer à faire des marques tout au long de leur vie.
Je crois fermement que nous sommes tous des artistes. Lorsque nous naissons et que nous devenons enfants, nous utilisons le marquage pour nous exprimer. Que ce soit par le biais de la narration, de l'imagination ou de l'observation – ce sont toutes des compétences avec lesquelles nous naissons. Je pense que plus tard dans la vie, il y a un moment où l'on se dit : « eh bien, peut-être que je ne suis pas le meilleur dans ce domaine » et on arrête de pratiquer, on arrête d'être inspiré par cela. Je pense vraiment qu'être artiste n'est pas une occupation ou une carrière. Je ne pense pas que ce soit nécessairement un emploi. Je pense que c'est un rôle dans la société ; c'est une façon de penser. Une grande partie de cela se résume à communiquer et à défendre quelque chose.
Être artiste n'a rien à voir avec le capitalisme au début non plus. On peut être un peintre qui gagne de l'argent avec ses tableaux, mais c'est différent de s'identifier comme un artiste, ce qui peut être très libérateur.
Signification personnelle de l'art : Que signifie la création artistique pour vous sur le plan personnel, et comment a-t-elle influencé votre vie ?
Je m'identifie comme queer et j'ai le sentiment que la représentation a été très importante dans mon propre parcours personnel et la découverte de mon identité. Je pense que c'est pertinent pour tout le monde ; la vérité est que la représentation compte, que ce soit au cinéma, en musique, dans les arts visuels ou dans les livres… etc. Entendre des histoires de personnes qui vous ressemblent est super impactant – surtout venant d'une petite ville comme moi qui a grandi dans une communauté rurale à Perth, en Ontario. Il n'y a pas beaucoup de personnes queer. Il n'y a pas beaucoup de personnes BIPOC. Il y a encore des poches de penseurs très progressistes, mais cela peut ne pas être représenté au niveau de la direction. Donc, en tant que jeune enfant, aller dans des galeries nationales et voir de l'art activiste ou apprendre l'existence d'artistes qui sont en dehors du canon de l'histoire de l'art était puissant. Être exposé à ces choses m'a donné la capacité de voir ce que ma vie pourrait être si je faisais mon coming out. C'était comme « d'accord, il y a d'autres personnes queer qui sont heureuses ».
La représentation vous offre la possibilité d'être fier de qui vous êtes. Cela me donne de l'espoir.
« Entendre des histoires de personnes qui vous ressemblent est super impactant – surtout venant d'une petite ville. »
Intégrer la croissance dans l'art : À mesure que vous avez grandi personnellement et professionnellement, comment ces changements se sont-ils manifestés dans votre art ? Pouvez-vous décrire comment une œuvre récente reflète une nouvelle étape ou un développement dans votre vie ou votre perspective artistique ?
L'art est le reflet de ce que nous sommes, il est donc logique que l'art de quelqu'un évolue avec lui au fur et à mesure qu'il grandit en tant que personne. Je n'y fais pas exception. Je repense à l'art que je créais lorsque j'étais à l'université. À l'époque, c'était la première fois que je travaillais sur un traumatisme passé. Mon travail en réponse était lourd, et comme je n'étais pas équipée pour traiter ces émotions, tout était très brut. C'était très expressif, vous savez, beaucoup de grands gestes audacieux et des couleurs plus sombres. J'ai grandi pour en arriver là où je suis maintenant parce que j'ai pris le temps de traiter ces sentiments et ces émotions et de digérer ce qui s'est passé ; par la création artistique et la thérapie, j'ai pu reconnaître ma vérité et ensuite avancer dans ma vie. Aujourd'hui, je suis assez fière du chemin parcouru et j'utilise beaucoup plus l'humour dans mon travail.
Je m'attaque toujours à des problèmes plus importants comme les droits des gays et des trans, le consentement radical, et je parle toujours de la violence sexiste dans mon travail, mais je pense que l'humour et le jeu peuvent être un outil très efficace pour inviter plus de gens à la conversation.
Motivation derrière la création : Qu'est-ce qui vous pousse à créer de l'art ? Y a-t-il une motivation ou un thème central qui sous-tend tout votre travail ?
Cette étape actuelle de ma création artistique semble porter sur la résilience et la libération. Je pense aussi que l'amitié sincère a été une énorme motivation, vous savez ? Et l'amitié en termes de conversations intimes et de partage étroit. Je travaille comme artiste tatoueur et j'apprécie le lien que nous pouvons créer avec des inconnus. Toutes ces conversations sont vulnérables et alimentent vraiment ma pratique – que ce soit le tatouage, la gravure ou l'illustration. J'ai l'impression que l'apprentissage mutuel est super vital pour réussir en tant que société. S'écouter les uns les autres est énorme.
« Nous sommes des acteurs du changement, des penseurs, et nous pouvons nous battre pour les ressources de nos communautés et pour elles. »
Équilibrer créativité et productivité : De nombreux artistes se sentent sous pression d'être constamment productifs. Comment équilibrez-vous le besoin d'expression créative avec les exigences de production régulière ?
Je parlais récemment avec un jeune artiste de la façon dont il se sentait obligé de jouer le jeu du capitalisme pour que son art survive. Je l'ai encouragé à penser en dehors du capitalisme. Je pense que cette compétition stressante est le résultat d'un manque de ressources au sein d'une communauté pour soutenir les projets artistiques. Il est bon de reconnaître que le capitalisme existe et que notre société le suit, mais je pense aussi que nous devons constamment nous souvenir que les artistes ne sont pas des usines. Nous ne sommes pas des entreprises. Nous sommes des acteurs du changement, des penseurs, et nous pouvons nous battre pour les ressources de nos communautés et pour elles. L'une des façons de combattre ces structures est la collaboration. La collaboration est un outil si précieux.
De plus, si vous avez besoin de faire une pause dans la création artistique, cela ne signifie pas que vous n'êtes pas un artiste pendant ce laps de temps. Vous avez le droit de prendre du recul par rapport à la création artistique. Vous avez le droit de laisser tomber cette attente. Il y a tellement d'autres façons d'être créatif lorsque vous ne faites pas d'art visuel physique ; comme cuisiner des repas pour vos proches, préparer le poulailler pour l'hiver, ou faire du bénévolat avec votre temps et vos compétences. Utiliser nos corps, nos esprits et nos mains sont toutes des choses valables pour nous, en tant qu'artistes, pour continuer à alimenter notre pratique ET notre bien-être.
L'activisme par l'art : Comment intégrez-vous l'activisme dans votre œuvre, et pourquoi est-il important pour vous d'aborder les questions sociales ou politiques à travers vos créations ?
Je suis une artiste et une activiste, donc ces deux choses fusionnent souvent. Je pourrais me tromper, mais j'ai l'impression que souvent, en tant qu'artistes, nous sommes une extension de nos croyances et de nos valeurs. Je veux dire, il n'y a pas de neutralité.
J'essaie souvent d'utiliser mes compétences pour faire de "jolies choses" afin d'attirer l'attention des gens. Par exemple, je peux dessiner une très jolie image d'une fleur et utiliser du texte dans ce visuel pour exprimer une déclaration ou un mouvement que je considère important et significatif. Je pense qu'à côté de cela, peut-être vendre des impressions ou concevoir des feuilles de flash spécifiques pour collecter des fonds pour des causes auxquelles je crois, comme le fonds d'avortement Indigenious Women Rising. Si je peux offrir un cadeau visuel en échange de ce don, c'est vraiment génial pour moi. Je sais que beaucoup d'artistes offrent leurs compétences artistiques à des organisations à but non lucratif qui n'ont peut-être pas d'énormes budgets pour créer des visuels vraiment intéressants.
Engagement communautaire : Comment votre art s'engage-t-il ou reflète-t-il les communautés dont vous faites partie ? Quelle est l'importance de ce lien pour vous ?
Nous avons une exposition très excitante qui se déroule actuellement et qui est très axée sur la communauté. Elle se tient au Agnes Etherington Art Centre et est organisée par Charlotte Gagnier. Elle s'intitule : nous sommes magiques : une lettre d'amour à nos tatouages.
Je travaille dans cet espace tous les vendredis en tant qu'artiste tatoueur. Nous proposons également des tatouages temporaires pour ceux qui ne sont pas adeptes des tatouages permanents. Il y a aussi un petit atelier où les gens peuvent venir imaginer des flashs de tatouage. J'adore les tatouages, évidemment. Les tatouages sont une forme de métamorphose, et ils ont la capacité de raconter des histoires et de nous permettre de rêver à des avenirs meilleurs. Dans leur essence même, les tatouages sont une forme de réappropriation de son identité. De plus, nous avons abordé l'importance de s'écouter les uns les autres dans notre communauté.
Comme je l'ai dit, quand je faisais de l'art à l'université, c'était vraiment pour moi, mais maintenant je veux faire participer les gens et en fait m'asseoir et parler de ces choses. Mon travail a évolué pour inclure plus de voix. J'apprécie vraiment le potentiel de l'art en tant que mécanisme d'adaptation – ou peut-être un meilleur terme serait un mécanisme de guérison. J'apprécie la représentation et les communautés dans lesquelles j'ai été accueillie, ainsi que les communautés que j'ai aidé à cultiver avec mon art.
